Probabilidades

Hay formas de ver la vida, personalmente divido únicamente dos, la positiva y la negativa.

Pensemos por un momento.
Tú, yo y todas las personas, animales y cosas que conocemos y no conocemos en nuestro planeta, representamos solo una ínfima parte del universo descubierto.

Parece ser muy posible y probable que en algún lugar de la inmensa noche cósmica exista vida, conciencia y pensamiento; igual, similar o enteramente distinta a la que conocemos.
Sin embargo, es muy poco probable que algún día próximo lleguemos a descubrirla, debido a la pequeña partícula de polvo que representamos en la vastedad de estrellas.

Somos pequeños seres, en un pequeño planeta, en un pequeño sistema, en una gran galaxia, que forma parte de un casi incalculablemente enorme universo compuesto de otras galaxias. Y tenemos un inframicrosegundo de tiempo vital, en el cual pueden pasarnos muchos sucesos.

Si las probabilidades de nuestra existencia, y más aún, de nuestro pensamiento y conciencia son tan pocas, entonces cuales son las probabilidades de nuestros sentimientos?
Vale la pena desperdiciar nuestro microsegundo de existencia en tristeza, soledad, pena, rencor y dolor?

Por último, qué pasa exactamente con las probabilidades del universo cuando dos seres pensantes y concientes se miran a los ojos por primera vez y se enamoran en silencio?
Qué pasa cuando "Los Ojos Hacen Algo más que Ver"? Como el título del cuento de Asimov.*
Es un márgen de error en el cálculo?

Los errores son maravillosos. No debemos dejarlos pasar.
Y cuando el error no sucede, no angustiarse, es solo un error.

*(Gracias Koma)

Pensamientos Navideños

El "pecado original", (el que no cometió nunca la vírgen María) es seguramente el pecado menos "original" de todos.

No se realmente qué es el "divino verbo", es acaso el verbo "ser" o "estar"?, o algo así?
El divino verbo es posiblemente el verbo que le aventaron a María para ligársela?
El que le aventó José (parece que era una mujer difícil) o el que le aventaron para que se animara a la tarea de criar a un chamaco sin "hacer la tarea"?
En cualquier caso, debió haber sido un muy buen verbo. El mejor de la historia.

Los Peces en el Río es realmente una canción muy trágica:
"La Vírgen lava pañales", pobrecilla, le toca pagar la penitencia de un pecado que no cometió... y que ni siquiera es pecado. (De hecho está muy padre)
Es también una canción que crea hoyos en la trama:
"Sus cabellos son de oro y el peine de plata fina", pues, si tenía eso, pudo haber empeñado o vendido, y no me tienen al pobre de José buscando cantón a medianoche, me la mandan a un hospital, con enfermera personal y toda la cosa.

Por último, las piñatas modernas, que he visto en las posadas recientes, solamente tienen cinco picos. ¿Por qué? ¿No se supone que se deben representar los siete pecados? ¿O ya también las posadas son open mind? ¿Será que se han dado cuenta de que la lujuria no es pecado, sino necesidad humana natural y de supervivencia? ¿Y que la ira no es más que una reacción a las injusticias divinas?

Pequeño Niño

Pequeño niño,
su madre decía,
no esperes demasiado,
no eres agraciado.

Eres algo arrogante,
aunque no seas galante,
eres muy distante,
tampoco eres pensante.

No busques belleza,
busca ligereza.

No busques amor,
olvida el afecto.
Busca aprobación,
eres un inepto.

Te pareces mucho a tu padre,
hombre torpe y poco amable.
Golpearás mujeres,
serás glotón y obeso,
no sé quién crees que eres,
sé que solo eres eso.

Esa niñita,
no corresponderá,
mejor hazme caso,
o te lastimarás.

Oculta tu rostro de toda vergüenza,
oculta tu alma de todo dolor,
no pretendas tener ninguna fuerza,
tu madre lo dice, con todo su amor.

Pequeño niño, con todo mi amor,
horrendo niño, con todo mi amor.

Pequeño niño, tu único amor.

...Amiga

Amiga,

¿Qué he dejado que te pase?

Recuérdanos, sentados en el pasto,

dejando el tiempo pasar,

recuerda tu amor al viento y al Sol.

Amiga, ¿qué te pasó?

¿Cuándo solté tus manos?

Míranos, lejanos, en malignas sombras.

No puedo verte bien,

la bruma se vuelve densa.

Amiga, ¿por qué me asusta tu sonrisa?

No es muy diferente a la de antes.

¿Qué he dejado que te pase?

Se está nublando, hay veneno en el aire.

¿Por qué lo respiras así?

Amiga,

¿Qué he dejado que te pase?

Corres rápido, no puedo verte bien.

Corres a la terrible nada.

La bruma se vuelve densa,

no puedo verte ya.

Solo me quedo ahí, de pie.

Sólo, me quedo de pie.


Regresa amiga. Perdóname amiga.
¿Qué he dejado que te pase?


Perdóname.
Déjame abrazarte y recuperar el tiempo sin hacerlo.
Porque al fin, estoy feliz que estés aquí.
Aquí y ahora. Perdóname.

Conferencia con Walter Murch (Parte 1)

No pude pegar la parte 2, pero aquí está el link de Google video:


http://video.google.com/videoplay?docid=1514115308947975030&ei=7DQPSbmeAYLm2QLKjY18&q=Walter%2BMurch%2BLecture#

Memorias de un Rodaje

Son las 3 de la tarde, acabo de despertar. Dormí desde las 6 de la mañana, no me he bañado aún.

He descansado como pocas veces, siento el cuerpo entumecido, pero aún así, deseo muchísimo levantarme.

Lo hago, prendo el calentador de agua, el que tarda media hora en entibiar el agua. Caliento mi comida, me siento frente a la televisión, prendo mi reproductor de DVD, veo "El Resplandor" de Kubrick.

Esos personajes, esa historia, esa música, esa cámara, esa perfección.

Termino de comer, sigo viendo la película, para que el agua se caliente más, luego me meto a bañar.

A las 4 ya estoy vestido, me siento en mi mesita y reviso el Plan de Rodaje de ese día, el que Bárbara y Koma (en una etapa previa) hicieron el enorme favor de preparar.

Tenemos que completar el corto, faltan 11 planos en 3 escenarios y 8 emplazamientos de cámara.

Un actor principal y dos talking bits, la actriz principal terminó su trabajo el día anterior, Bárbara, Kotto y yo nos ingeniamos para que trabajara un día y ahorrarnos un poco de dinero. Dinero que usaremos para conseguir cosas que necesitemos y tener un catering decente para todos, un crew que come bien es un crew feliz.

El Plan de Rodaje contempla mucho tiempo por cada plano que debemos hacer, Jhasua se tarda en hacer cada Set de luz, no me importa demasiado, él sabe lo que hace, le pone el alma a su trabajo; si quiere lograr algo perfecto, no pensaría nunca en limitarlo. Y menos aún si está trabajando en algo que me apasiona a mi también. El día anterior me impresionó con su gran talento, es la primera vez que trabajo con él, me dormí una hora después de llegar exhausto a casa, porque estuve viendo los planos.

Unas cuatro semanas antes de rodar, nos juntamos en un Starbucks a platicar sobre el corto. Ciertamente no somos ricos, ni faroles, ni chairos, ni snobs, lo que sucede es que Paloma, su hermana, trabajaba ahí y podríamos obtener algo gratis y usar internet para buscar referencias visuales.

Le mostré las películas, le expliqué mis ideas, le mostré mis imágenes y discutimos.

Él tenía otras ideas, no contrarias, sino complementarias, me mostró imágenes y me explicó cosas que a mí solo no se me habrían ocurrido. Preparó una propuesta visual en su cabeza y el sábado nos levantamos temprano e hicimos unas pruebas de iluminación en el foro de la escuela, Chiwas nos ayudó.

Chiwas, siempre al pie del cañón, siempre dándolo todo, siempre queriendo aprender.

Estas pruebas fueron la base del corto que hacíamos.

Jhasua y Chiwas, los respeto mucho.

Salgo de casa, tomo un camión, luego el Macrobús, a esta hora casi no hay gente, es raro estar recién levantado con el Sol tan arriba. Leo un libro sobre Kubrick en el camino.

Llego a las 4:45, me siento bajo un árbol afuera de la locación, el edificio de mi escuela, que hemos hecho lucir como un hospital tenebroso. Leo, Yoshi y Paloma, la hermana de Jhasua, han hecho un excelente trabajo. (Que maravillosos hermanos)

A las 6 empezamos a montar los sets, y empezamos a tirar a las 8 de la noche, justo cuando ha bajado completamente el Sol, nos espera una larga noche de trabajo.

Kotto consiguió una máquina de humo, toda la noche, por dos días, a 100 pesos. No tengo idea como lo hizo, el lugar en que la rentamos está a tres calles.

Mi amigo Gera, un tipazo, nos ha hecho el favor de prestarnos algunas de sus luces, y más aún, nos está ayudando a montarlas. Le gusta su oficio.

Abril y Fátima, las dos actrices de la escuela de teatro de la UdeG, están participando. Lo están dando todo para su interpretación, que aunque es corta, es importante.

Ellas demuestran la frase: "No hay papeles pequeños, hay pequeños actores." y ellas son grandes actrices.

Es la primera vez que trabajo con Fátima y me ha impresionado, con Abril habíamos trabajado antes y siempre me impresiona, le tengo un gran respeto y la quiero mucho, igual que a mi amigo Gavo, su novio, que aunque salió antes de la escuela, casi siempre nos acompaña en los rodajes.

Lalo es nuestro maestro, en todo el sentido de la palabra, es un tipazo, un gran ser humano, talentoso y sencillo. Ha accedido a ser el personaje principal del corto que hacemos, tiene excelentes registros, gran versatilidad, se está desvelando con nosotros, aunque tenga trabajo mañana, bromea y nos mantiene serenos.

En la pre-producción, se tomó la molestia de sentarse conmigo, hacerme sugerencias, llamarme la atención, tomarse una cerveza, un café y una comida conmigo, contarme cosas y darme consejos. Es verdaderamente alguien que ama enseñar, alguien que ama el cine, alguien de quien aprendo mucho, no sólo sobre el oficio.

Bárbara me mantiene tranquilo, mantiene tranquilos a (casi) todos y tiene todo organizado.

Jhasua ilumina, crea el mundo que buscamos. Chiwas, Kore, Gera y Roy le ayudan.

Kore y Roy son amigos míos, les encanta el cine, se encargan de casi cualquier cosa que se necesite en cuestiones eléctricas, su trabajo es muy importante, nos permite avanzar rápido y bien.

Paloma, Yoshi y Leo también crean el mundo que queremos, incluso lo mejoran.
Sarita (con un pie lastimado) y Luis registran el sonido por separado, mantienen el micrófono a la distancia correcta, graban room tones, wild tracks, foleys. Me temo que no les damos la importancia que merecen, cuando piden silencio, no lo guardamos. Ahora pido perdón por eso.

En algún momento, ponemos a los Beatles para trabajar, algunas escenas son tensas. Bárbara quiere oir "Go With Him", Abril quiere "Strawberry Fields Forever", yo quiero oir "Back in the USSR", casi todos tienen una canción favorita de los Beatles.
Cuando no rodamos, Jhasua casi siempre tiene puestos sus audífonos.

Hay roces, como siempre, pero son pequeños y poco importantes una vez que logramos lo que podemos lograr todos juntos.

Para esas tensiones, alguien hizo un columpio con un gran pliego de tela, algunos nos entretenemos ahí, Jazz (porque ya es "Jazz") y yo charlamos en el foro, alguien empuja la silla de ruedas cuando tiene que decir algo incómodo, es una broma local que nos funcionó.

Así pasa el tiempo, vamos haciendo los planos poco a poco, y cuando parpadeo son las 4 de la mañana y Barbs (porque ya es "Barbs") y yo gritamos "Wrap It Up!" (algunos gritan "Wrapper Up!", es lo mismo), que significa que terminamos, si estuviéramos trabajando en cine, significa que se debe "empacar" la lata para revelar.

Jazz y yo transferimos la información a mi computadora, eso hace que nos tardemos más, algunos (¿todos?) me devuelven una broma y comienzan a cantarme "No Mammy Blue", porque ya quieren irse a sus casas, tienen razón, pero ya falta poco.

No recuerdo si ese día Barbs nos regresó en su camioneta ó regresamos en Macrobús.

Lo que recuerdo es que me sentía muy cercano a todos, con gran respeto, admiración y afecto. Con gran agradecimiento por haberme ayudado.

Hicimos un corto, hicimos compañeros, hicimos amigos.

Me vuelvo a desvelar más viendo los planos y pienso que es probablemente el mejor trabajo (¿trabajo?) que hay, es algo maravilloso, y no veo la hora de volver a hacerlo, con las mismas personas que tanto quiero.

Hicieron todos juntos, de un proyecto pequeño, algo de calidad. ¿Qué pasará entonces el día que hagamos juntos algo más ambicioso?

Muchas gracias a todos, por el gran equipo que son.

Noches de Amarillo y Verde

Cuando caigas y te sientas desnuda,

cuando lleguen el temor y la soledad.

Recuerda lo que me has dicho;

la inocencia es cualidad,

los inocentes sufren.

Recuerda que somos frágiles.

Y que sentir es un regalo,

que vivir en frío cruel es condena,

que el deseo es esperanza.

Espera siempre.

Desea con el alma.

Desea; como yo deseo dormir de nuevo contigo.

Sentir juntos el temor disiparse,

nuestra soledad dilulirse,

sentirnos fuertes,

abrazarnos, evitando el frío prematuro.

Sentir la noche pacífica y eterna,

el mundo onírico y azul claro.

Que nunca mueran las ganas de escuchar nuestras canciones.

Y la melodía salir de tus labios, como ríos de agua inundándonos.

Siente mi abrazo,

mírame cerrar mis ojos.

Imagina que no hay carne,

que abrazamos nuestras almas.

Tu alma amarilla.

Mi alma verdosa.

Eternas noches de amarillo y verde,

pintando sobre oscuro.

Figuras Friolentas

Aquí estamos, sentados en la noche.

Te he tratado gentilmente, hay un frío muy azul.

Tiemblas. Yo también.

Tienes frío, tengo miedo.

Te abrazo. Tengo miedo.

Quiero pintarte de rojo, quitarte el azul.

Respiramos juntos.

Quiero saber qué piensas.

Tengo miedo.

Miro tu sonrisa. Sonrío.

Los dos tenemos miedo.

Cine e Industria

Cine es arte.

Arte no es ciencia exacta, por ello, entra en el campo de lo mayormente subjetivo.

Es decir, 2+2=4 nunca va a cambiar, mientras que, el paradigma de producción, técnica y contenido (sobre todo contenido) está sujeto a cambios constantes y necesarios.

Constantes porque a medida que las generaciones de creadores van apareciendo y tomando parte de las anteriores, y eventualmente, sus lugares dentro de la contemporaneidad se cambian los cánones y paradigmas.

Estos cambios responden a una constante casi universal del sistema artístico. Existe en las generaciones frescas una "rebeldía" y una necesidad de desprendimiento y mejora de lo anterior, ocasionada por la búsqueda de identidad y autenticidad consciente e inconsciente, pero también, por una necesidad natural e inevitable de ajustar el contenido al tiempo en el que se vive.

Es así como al igual que la chispa, el comburente y el combustible hacen posible el fuego, el discurso corresponde a la época y la forma corresponde al discurso, así como a la búsqueda de lo nuevo.

Sin embargo, si alguno de estos elementos no está pensado en relación con los otros dos, entonces la desunión causa una incongruencia y una obra que envejecerá muy rápido, o habrá nacido vieja, y tal vez después del paso del tiempo se le otorgará el valor que podría merecer.

Poniendo un ejemplo que he usado muchas veces con anterioridad: Los pintores Impresionistas, en su momento reaccionaron ante la pintura académica, más tarde, surgieron movimientos que reaccionaron ante la pintura Impresionista y así sucesivamente.

Es el movimiento de las artes.

Necesario, porque por naturaleza la renovación conserva la frescura y el interés. De hecho, no puede imaginarse una situación en la que no haya una renovación.

Por naturaleza, el arte lo tiene.

Uno no puede quejarse de la variabilidad y el "avance" (El arte no "evoluciona", pero si "avanza")

Esto es un síntoma de la senilidad intelectual de quien está acostumbrado a un entorno y paradigma, pero no puede adaptarse al siguiente.

Sin embargo, puede criticarse la falta de elementos, la calidad y la posible pretensión de la obra.

El cine es una industria, al igual que la pintura lo fue en tiempos de Van Gogh, y la escultura en tiempos del Imperio Romano.

Es lo que mantiene vivos a los realizadores porque les da de comer, es lo que mantiene el interés del público, sin embargo, no es lo que mantiene "fresco" al cine, por tanto, puede decirse que realmente no es lo que lo mantiene vivo.

Hay una relación simbiótica entre la industria y el arte en el cine.

El arte mantiene "fresco" al cine, estableciendo nuevos paradigmas y cánones, mientras que la industria los explota para vender. Entre los dos factores, el cine se mantiene vivo.

Estas dos formas de hacer y llevar el cine deben vivir juntas, y el realizador debe saber diferenciar en que momentos usar un sistema de producción o el otro.

Es un lugar común que entre nosotros, los estudiantes de cine, queramos establecernos a nosotros mismos un sistema de producción similar al industrial, es decir, con subdivisiones ridículas y excesivas de trabajo, rutas de producción que no vienen al caso, cantidad exagerada de equipo técnico y una gran cantidad de factores que solamente sirven para intentar aproximarse a un sistema que no nos corresponde por naturaleza, y al no ser parte de la esencia de nuestro trabajo, termina siendo contraproducente para nuestro contenido y por tanto, a nuestra contribución inconsciente al avance del arte.

Ese mismo patrón de "estudiantes de cine" se repite muchas veces a gran escala en países en vías de desarrollo y con poca producción cinematográfica. Condicionados muchas veces por factores externos, como el "casi-monopolio" de las empresas extranjeras sobre la distribución y la recaudación de dinero en los cines mexicanos.

La misma ingenuidad que hay en principio entre nosotros los estudiantes de cine, pasa con los productores en un país con poca producción y en la realidad en México y Latinoamérica.

Obviando las limitantes de nuestro cine con respecto al industrial, debo hablar de que hay ciertas libertades que tenemos, que no pueden otorgársele tan fácilmente al otro.

No estamos limitados a las imposiciones de un estudio, tanto para el contenido como para la realización del trabajo. Es más fácil lograr un cine congruente y fresco.

El cine latinoamericano exitoso y el que ha logrado un avance ha sido precisamente el que no basa su sistema de producción en el industrial.

Los argentinos han sido los que mejor han entendido esto. Pueden verse películas importantes como "La Ciénaga" de la directora Lucrecia Martel y la productora Lita Stantic, "El Artista" de Gastón Duprat, producida por Eduardo Costantini, Tore Sansonetti y Fernando Soklowicz.

Grandes películas, logran mucho con poco y con conciencia amplia de lo que se tiene y no se tiene y de como usar los recursos que hay.

Es solamente cuestión de entender esto, y lograr proyectos ambiciosos, hablando de la imaginativa y lo intelectual.

Es también una pena que como latinoamericanos, estemos siempre buscando tener un sistema que no nos corresponde. Se trata de una falta de identidad, y del deseo de ser algo que no somos. Esto es incongruente y lamentablemente, se ha ido generalizando cada vez más en las ideas de realizadores independientes e incluso instituciones.

El cine para nosotros es comercial, pero no es industria, una película se logra mejor cuando el cast y crew está comprometido con lo que está haciendo, cuando se respira un clima de camaradería, respeto y relajación y cuando se logra conjuntar un equipo de colaboradores con confianza e interés.

Los Impresionistas eran amigos, sugiero entonces buscar entonces amigos para hacer cine.

Entender que responder frontalmente a los cánones de la industria es normal, completamente válido y muy necesario para el avance del cine como arte.

Aunque ambos factores, el cine entendido como industria y el cine entendido como arte, son necesarios para el avance cinematográfico, es necesario entender que hay maneras de realizar que se amoldan bien a las posibilidades económicas. Si entendemos esto, no nos veremos tan ansiosos por entrar en una dinámica de producción industrial y podremos buscar maneras asequibles de renovar nuestro cine y dotarlo de identidad.

(Gracias Teby)

Figuras Friolentas - Gondolera (Pastel sobre Tela)

La Materia Prima

Llegaron a la antesala del cielo, por razones justas, las siguientes personalidades:

Un guitarrista, un cineasta, un pintor y un vendedor.

Un ángel se acercó a ellos, de uno en uno.

Al guitarrista le dijo:
-Para entrar al cielo, debes hacer una canción con la materia prima que voy a darte-
Le dio un manuscrito con una narración de toda su vida.

Al cineasta le dijo:
-Debes hacer una película con la materia prima que te daré-
Le dio montones de latas de film, con toda su vida registrada.

Al pintor le dijo:
-Debes pintar un cuadro con la materia prima que te daré-
Le mostró imágenes significativas de su vida.

Al vendedor le dijo:
-Debes vender la materia prima que te daré-

Y el vendedor tuvo que vender su vida, y por tanto, su alma.

Diez Años

Te conté mi deseo de haberte conocido cuando eras joven,
me recordaste que yo hubiera tenido diez años.

¿Qué son diez años para la levedad del tiempo?
Excusa efímera, circunstancia frustrante,
enmarcadas entre terreno y muerte.

De haber nacido hace diez años, en otro cuerpo, en otro lugar,
¿Nos habríamos conocido en ambas inocencias?
¿Ó desearía, aún así, más antigüedad para mi inicio en los tiempos?

"El Vástago" Teaser Trailer de Cortometraje

http://www.youtube.com/watch?v=aj5OtY3FcUw

La Excavación

I

Se empezaron las obras para la construcción del nuevo gran distribuidor vial de la ciudad de Morelia, Michoacán. Sería la carta fuerte del partido en turno para ganar la próxima elección.

La obra se hacía en una de las entradas a la ciudad. Un lugar hace unos años despoblado, incluso sin caminos, pero que ahora era una vía principal bastante saturada durante las horas pico.

Cinco máquinas excavaban y en el tercer día de trabajos, una se atoró en seco al chocar con un objeto extraño que estaba enterrado. Cuando esto sucedió se oyó el ruido de metal cimbrando gravemente.

-¡Ha de ser un OVNI!- exclamó uno de los trabajadores.

Entonces una gran parte huyó despavorida. La otra huyó del trabajo, aprovechando la oportunidad.

II

El Presidente Municipal y el Gobernador del Estado se aparecieron horas después, caída ya la noche, para averiguar porqué se habían ido los trabajadores. Un equipo de especialistas les explicó la situación.

-¿Qué hacemos si es un OVNI, señor Gobernador?-

-Por lo pronto hay que iniciar la extracción Gabito.-

Cerraron las calles y trabajaron durante toda la noche para poder sacar la excavadora y el objeto extraño del subsuelo.

Un veterano reportero de un periódico local llegó a cubrir la noticia y estuvo ahí durante todo el procedimiento. El Gobernador y el Presidente Municipal se fueron a sus casas a dormir.

El segundo no pudo pegar las pestañas.

Alrededor de las 7:43 de la mañana, lograron sacar el extraño objeto metálico.

Era una figura de metal negro y corroído, llena de lodo y tierra.

III

El Presidente Municipal recuperó la tranquilidad, incluso estaba algo emocionado. La extracción de esa figura suponía grandes oportunidades para su partido.

Expertos de Bellas Artes y la UNAM llegaron desde la Ciudad de México para analizar el nuevo descubrimiento. La figura no tenía forma definida, así que nadie sabía qué era.

Pronto, llenaron la ciudad de panfletos, letreros, espectaculares y carteles, anunciando al gobierno en curso como el responsable del gran descubrimiento de la figura, invitando a los turistas, artistas y fanáticos del arte a visitar la ciudad.

La figura estaba ahora dentro del Palacio Municipal, en el patio central, rodeada de guardias y analistas.

Unos días después estaba también rodeada de turistas de todas partes del país y del mundo.

Un crítico de arte dijo en televisión nacional, que probablemente se había descubierto la primera gran obra de la historia del arte mexicano, posiblemente una estatua hecha desde el tiempo precolombino, según las primeras opiniones de los expertos.

Esto ocasionó que un gran número de artistas plásticos acudieran.

IV

Muchos políticos de oposición protestaron.

Argumentaban que no podía hacerse tal publicidad al estado y al partido gobernante, con dinero de los impuestos del pueblo, a una semana de la elección.

Los gobernantes argumentaron que esa publicidad era única y exclusivamente para promover el turismo en la ciudad, por el nuevo descubrimiento, y que era una simple casualidad, ocasionada por el diseñador gráfico y la imprenta, que tuviera exactamente los mismos colores del partido.

V

Se hizo una cena de gala, para apoyar el estudio del descubrimiento nuevo.

Toda la gente de alcurnia, vestida con sus mejores trajes, corbatas, vestidos y joyas fue.

La esposa del Gobernador lució sus nuevas joyas.

La esposa del Presidente Municipal lució su nuevo vestido, su nuevo cuerpo, su nueva cara, sus nuevos pechos...

Se pidió una cooperación de 900 pesos para entrar a la fiesta. Además, se trajo un chef francés para que cocinara las enchiladas potosinas.

Todo mundo pagó con gusto, y se recaudaron 90,000 pesos para la causa.

Los artistas de moda que asistieron dijeron que Morelia sería la nueva gran capital del arte mexicano. Admiraron y apreciaron el descubrimiento durante largas horas.

Lo calificaron de sublime, genial, maravilloso, catártico...

VI

El 3 de julio, el partido ganó la elección de nuevo.

VII

El reportero que cubrió la excavación había visto de cerca la ahora llamada estatua y le pareció conocida.

Dejó pasar el tiempo, pero por mera curiosidad, fue a una hemeroteca, y después de mucho buscar, encontró un pequeño artículo, con fotografías que él mismo había tomado.

Entonces recordó bien:

VIII

Durante la gestión del presidente Lázaro Cárdenas, se llevó a cabo la inauguración de una estatua en la ciudad.

El escultor y el Presidente estuvieron ahí para la develación. Era una estatua de Benito Juárez.

Una vez develada la estatua, el Presidente dijo:

-A esta estatua solamente le falta hablar.-

El escultor, emocionado, agradeció el comentario.

-¿Le parece, señor Presidente?-

-Si, para que nos diga quién es, porque no entiendo nada.-

La estatua fue retirada un día después y nunca se supo que pasó con ella.

Al parecer fue enterrada.

IX

Un día después, el reportero dió aviso. Fue respaldado por los expertos de la Ciudad de México.

Los expertos volvieron a la capital, se retiró la publicidad, se olvidó el suceso y se enterró la estatua.

FIN

---*(Esta historia fue basada EN PARTE, en un suceso real)

Un Mal Encuadre

El Favor

Estacionó su auto en el espacio habitual.

Tocó la puerta de la casa que conocía bien. No usó su llave.

Abrió Teresa,... Tracy, pero ahora no se atrevía a decirle así.

Se miraron sin hablar.

Teresa esquivó su mirada y vió el auto estacionado.

Él no dejó de mirarla.

-Hola- dijo Teresa -¿cómo estás?- con tono apagado y nervioso.

Ella entró. Él pasó a la casa, siguiéndola.

Llegaron a la cocina. Sobre la mesa había un viejo y limpio horno de microondas.

Ambos se posaron frente a él, lo miraron durante medio minuto.

-Ahí está- dijo Teresa.

-¿Todavía sirve?- preguntó él.

-Si. Lo probé en la mañana... Lo limpié, estaba lleno de polvo del closet-

Habían comprado ese horno por mucho dinero hace ventitrés años, dos días después de la boda.

-¿Te ofrezco algo de tomar?- preguntó ella.

Él negó con la cabeza, con un dejo de vergüenza.

-Gracias. Mejor me lo llevo y me voy-

-Está pesadito-

-No importa, traigo el coche-

-¿Seguro?, ¿No quieres una bolsa ó algo?-

Tomó el microondas con ambas manos. Era pesado, pero no demasiado.

Caminó hacia la puerta cargándolo. Ella lo siguió.

Se despidió, no soltó el horno:

-Ya me voy-

-Cuídate. Ojalá te sirva.-

La miró.

-Te amo-

Ella no contestó. Le dió el adiós con su mano y cerró la puerta.

Puso el viejo horno en el asiento trasero.

Se fue y nunca volvió.

Peter Greenaway y la "Muerte del Cine"

El artista visual, mejor conocido por su trabajo como un excelente cineasta, Peter Greenaway ha sido siempre famoso por sus controvertidas opiniones y teorías. Mismas que en gran medida han sido escuchadas y tomadas en cuenta por muchos otros cineastas y aspirantes.

Estos últimos años, el cineasta ha formulado una serie de teorías y ha hecho una serie de declaraciones, controvertidas por imprudentes, que si bien pueden estar fundamentadas en un amplio conocimiento artístico, técnico y sensorial, fallan rotundamente en ser probadas en la práctica y son producto de un hombre senil, cuyos días de gran gloria ya han pasado, en busca del nuevo hilo negro y el reconocimiento del público.

Greenaway hizo gran carrera durante los últimos años, es un hombre cuyo desempeño en las artes es sencillamente impresionante, pintor, cineasta, artista visual, curador, performanceman son algunas de las actividades a las que se ha dedicado. Siempre buscando maneras de expresarse de manera creativa, sensitiva e innovadora.

Recientemente ha incursionado en el internet, y lo ha estado usando, según él, como una manera de hacer interactiva la experiencia entre el público y la obra. También ha hecho trabajos como VJ, combinado con múltiples disciplinas en su proyecto "Tulse Luper Suitcases".

El señor tiene mucha razón en muchas cosas, todo artista visual y cineasta, debe tener amplia cultura visual y general, es imposible e inconcebible que las generaciones nuevas de aspirantes tengan pocos ó nulos conocimientos acerca de cualquier cosa. Los contenidos son cada día más banales y la forma de hacerlos más sosa.

También tiene razón en que el medio no es nada sin el fin, y que el medio es solamente una manera de llegar de una mejor manera al espectador, y así, debemos buscar y experimentar con todos los medios posibles, para dominarlos y expresarnos.

Él tiene una visión multidisciplinaria de las cosas, esto lo libera de las cadenas de las restricciones creativas.

También ha comprobado ser uno de los cineastas más trascendentes y revolucionarios de la historia, así como, en ciertos casos, uno de los más pretensiosos para algunos.

Nadie que haya visto una película de Greenaway podría decir que se trata de una película "normal" ó "común", su trabajo es siempre interesante a nivel visual y técnico, aunque a veces carezca de emoción.

Al asistir al Festival de Cine Expresión en Corto en Guanajuato Capital, tuve la oportunidad de ver a Greenaway en vivo, así como a su espectáculo de VJ. Previamente estuve leyendo y viendo algunas de sus entrevistas, declaraciones y trabajos.

El hombre afirma con toda confianza que "El Cine ha Muerto", e incluso de una fecha exacta del día en que esto pasó. Según él, el mismo día que el control remoto se instala en todos los televisores y uno es capaz de hacer zapping. Afirma que el cine debe cambiar y que cualquier persona que crea que ver una película sentado frente a una pantalla, en completa oscuridad, en una experiencia poco social e interactiva, está mal. Afirma que el cine no son más que libros ilustrados y que la narrativa clásica está condenada a desaparecer. Afirma que los más de cien años que hemos tenido de películas, no son cine, sino lo que él dice que es y será.

Todo esto lo dice entre tres pantallas gigantes, las tres con proyecciones de su rostro, una de las cuales viene directo del escritorio de su laptop Macintosh. Vestido en un traje de lino y con un ridículo sombrero, a las 9 de la noche.

Venden su espectáculo de VJ a 300 pesos, más el cargo por servicio de venta a 20 pesos.

Él se anuncia a si mismo como el descubridor del nuevo hilo negro, el revolucionario de la imagen, el hombre y el espectáculo que romperá todos los paradigmas y establecerá nuevos. Él mismo se dice el descubridor del "Nuevo Cine", y juzgando por sus anteriores declaraciones, el que lo resucitará. Como una suerte de Antiguo y Nuevo Testamento del séptimo arte.

Dice unas palabras, justo antes de comenzar su "Tulse Luper VJ Performance". Le pide a la audiencia que no se siente en las escalinatas, sino que baje junto a él, para estar más cerca de la gente y que la experiencia sea interactiva, muchos lo hacen, otros nos quedamos sentados arriba, con una mejor visibildiad de las seis pantallas. (Y una, que jamás vi, porque no bajé, que estaba proyectada detrás de mí, en una pared, según me dijo un amigo que si bajó)

Hace una última explicación, por enésima vez dice que lo que estamos a punto de ver es algo completamente nuevo, el nuevo cine, sin las ataduras creativas de una pantalla y una historia, imágenes puras, sin narrativa, que cada vez que hace el performance se hace de una forma completamente diferente y que es una experiencia interactiva, donde la audiencia es tan importante como el artista y la obra, que la obra se está creando en vivo, frente a nosotros, como si un artista pintara y creara frente a gente. Pide que no tratemos de encontrarle una línea narrativa, por que no la tiene y solamente nos "perderíamos". Dice que el show dura aproximadamente una hora.

El artista, explica su obra antes de mostrarla.

Entonces comienza.

Comienza a proyectar, en vivo, escogiendo imágenes desde una computadora con pantalla táctil, diseñada específicamente para él. Un chalán le ayuda con el sonido y su mezcla.

Un conjunto de imágenes inconexas, figuras retóricas acerca de la humanidad; un bebé, un niño, sexo, miel, dinero, etcétera... mezcladas en cinco pantallas distintas, que en realidad podrían ser dos, ya que varias imágenes se repiten en dos ó más.

Planos hermosos, bien fotografiados, con actores y modelos, y complicaciones de producción. (¿Esto no es una característica del "viejo cine"?)

Todos lo vemos con atención, los que están abajo también, igual que los que estamos arriba, pero con un poco más de trabajo, ya que tienen que estirar el cuello para ver bien.

Y así como inicia, termina. Personalmente, sin ningún cambio en mis emociones, ni en mi pensamiento, sin sentir ninguna progresión sensorial. Sin sentir, ni ser partícipe de nada.

(No se que hayan sentido los demás, esto es solo mi opinión)

Y al salir, me siento sumamente decepcionado. Pagué un precio exhorbitante por ver algo que no cumple con lo que promete. Mucho ruido, pocas nueces. Un espectáculo que pudo haber costado cuarenta pesos, y aún así, hubiera preferido ir a ver alguna película hecha de la manera del "cine viejo", aunque el señor Greenaway me taché de anticuado ó inculto.

Pero también me siento contento. Veo que nada puede matar al cine, el cine marcha, pero no "muere", como dice el cineasta (aunque no le guste) y lo que Greenaway hizo no es matarlo para crear uno nuevo, ni siquiera es cine, es simplemente una variación del espectáculo de VJ, combinado con cinematografía, estética y algo de soséz. Nada realmente nuevo.

Si Greenaway quiere ampliar sus horizontes y probar cosas nuevas, si quiere ser VJ, que lo haga, pero que no se meta con el cine que a todos nos gusta, y que tanto trabajo ha costado forjar.

En su senectud no se da cuenta de que son cosas completamente diferentes y con un mérito propio por separado. Usa egocentricos sofismas y falsedades que los débiles mentales e incultos toman por ciertos, como "Si Leonardo DaVinci hubiera tenido electricidad, hubiera hecho cosas como esta".

Peter Greenaway ya está senil. No queda más que disfrutar su obra anterior, y la que hace ahora, tomando lo que podamos de su gran genio, pero sin hacer demasiadas preguntas, ni hacerle demasiado caso.

Como a cualquier anciano.

Aquí dejo unos links.

Información, filmografías, noticias, videos y otros.

Asegúrense de jugar en "Tulse Luper Journey", es una gran proyecto interactivo que favorece la inteligencia humana:

http://www.petergreenaway.info/

http://www.tulseluperjourney.com/

http://www.tulselupernetwork.com/basis.html

http://www.imdb.com/name/nm0000425/

http://www.youtube.com/view_play_list?p=36448E6A0ED9B6E7&search_query=peter+greenaway

Malgré tout je me lèverai encore: Je prendrai mon crayon, que j'ai abandonné mon découragement de freat, et je continuerai avec mon schéma - Van Gogh

La vida es el arte de dibujar, sin un borrador.

-John W. Gardner

Stanley Kubrick nació un día como hoy...

Un 26 de julio de 1928, en la ciudad de Nueva York, nació un gran genio.

Stanley Kubrick era hijo de un doctor judío Jaques Leonard Kubrick y de su esposa, Gertrude. El niño nunca imaginó que el entrenamiento en ajedrez y fotografía que su padre le daba le servirían de algo útil en su vida. Y el resto del mundo tampoco sabía que ese niño sería un genio.

Prueba de ello eran sus maestros de la "William Howard Taft High School". Muchos, en su tiempo, lo consideraban flojo y subversivo. No prestaba atención a las clases que no le interesaban y tampoco estaba muy interesado en hacer las tareas, así que solía copiarlas.

Estaba mas interesado en fotografía fija y en trabajar en el laboratorio que su padre le había construído dentro de su misma casa.

Al salir, intentó ingresar a la universidad, pero su promedio de 67 y las demandas de los jóvenes que venían de la Segunda Guerra Mundial de estudiar no le permitieron entrar... para la gloria suya y la nuestra.

Durante su preparatoria, Kubrick era fotógrafo talentoso para periódico escolar y había conseguido trabajos por fuera.

Una fotografía de un vendedor de periódicos con rostro desconsolado el día que vendía los diarios que contenían la muerte del presidente "Teddy Roosevelt" lo hizo acreedor a trabajos fijos dentro de la revista "Look!", en donde fotografiaba impresionantes reportajes visuales, sobre temas cotidianos, artísticos y de la farándula.

Fue aquí donde empezó a entrenar su ojo fotográfico, y podemos ver sus encuadres caracerísticos.

Sus ingresos no eran suficientes para mantenerse a si mismo, así que también jugaba ajedrez para ganar dinero.

Se casó con la esnob Toba Metz, y se mudaron juntos a Greenwich Village, dentro de la misma ciudad de Nueva York... el lugar donde se reunían todos los intelectuales, artistas y bohemios de la época.

También empezó a ver películas, muchas películas, y se hizo fanático de Max Ophuls, un cineasta que sería de enorme influencia en su estilo.

El joven, harto de la fotografía fija, decidió que sería bueno hacer reportajes documentales en film. Se financió a si mismo "Day of the Fight", sobre un boxeador en el día de una pelea importante. Después de eso le fue fácil conseguir un trabajo en la RKO, productora de Orson Welles, e hizo algunos documentales cortos como "Flying Padre", un día en la vida de un sacerdote que viaja en su propia avioneta para ayudar a sus feligreses y a enfermos. Después fue contratado para hacer un documental propagandístico llamado "The Seafarers" sobre los marinos de Estados Unidos, duró 30 minutos y fue su primer film a colores.

Con su esposa Toba Metz, un equipo de amigos y el dinero de la herencia de su padre pagado por adelantado, financió su primer film "Fear and Desire". Una lamentable historia de bajo presupuesto acerca de tres soldados de una guerra ficticia que quedan atrapados tras las líneas enemigas. No tuvo éxito alguno.

Durante la realización de esta película, se divorcio de su primera esposa y conoció a su segunda, una bailarina de nombre Ruth Sobotka, y se mudaron juntos.

En este tiempo, realizó un film con un poco mas de presupuesto que el anterior, llamado "Fear and Desire", una película mediocre, pero ya con las características del director, acerca de un boxeador fracasado, cuya vecina es empleada de una casa de baile y es amante de su gangsteril empleador.

La misma Ruth Sobotka aparece en la película en un clip flashback, casi onírico.

Esta película demostró su habilidad para narrar historias y tener una fotografía impresionante, así como un estilo visual muy interesante.

Se alió con Robert Harris, un productor en busca de un buen director, pero sin una buena historia, así que recurrieron a material literario.

Después de buscar mucho, llegaron a la conclusión de que no podía hacerse una buena película con un buen libro, sino una buena película con un libro menor, pero con una linea argumental interesante, así que compraron los derechos de la novela "Clean Break" y la transformaron en la película "The Killing".

La película trataba sobre una banda de perdedores criminales que se dan a la tarea de robarse la caja de seguridad de un hipodromo, comandados por el personaje principal de la película.

Esta es la primera obra verdaderamente profesional de Kubrick, utilizaba el tiempo fragmentado para ver lo que hacía cada personaje a la misma hora del día que el otro y elementos narrativos y dramáticos, así como construcción de personajes más profunda. Esto era algo sumamente innovador en su época.

Kubrick siempre se caracterizó exactamente por esto. Innovaba.

Ruth Sobotka fue directora de arte de su película, y después de eso se separaron.

Debido al éxito, MGM ofreció una gama de novelas sobre las cuales tenían derechos para realizar una película, ellos, insatisfechos con la mayoría de lo que tenían, eligieron la novela "Paths of Glory".

El estudio se negó a financiarla del todo a menos que una gran estrella estuviera involucrada, así que Kirk Douglas, buscando un buen rol protagónico, confió en Kubrick y Harris y financió gran parte.

La película es la primera gran obra de Kubrick y es la más humanista de todas.

Trata acerca de un buen coronel en la primera guerra mundial, que defiende el honor de tres soldados que son sentenciados a morir por actos de supuesta cobardía al haber regresado a la trinchera en una batalla en la cual estaban siendo aniquilados, para que sirvan de ejemplo a los otros. Sin embargo, un mal teniente ordena disparar contra las tropas aliadas para que no huyan de regreso, pero a él no se le condena.

Después del éxito rotundo de esta película, en donde Kubrick conoció a su tercera y definitiva esposa Christianne, (la cantante que sale casi al final de la película) se casó con ella, adoptó a su hija Katharina como suya y a su nuero Jan Harlan como su productor ejecutivo.

Intentó trabajar con Marlon Brando en el western "One Eyed Jacks", pero debido a diferencias creativas y de egos, salió del proyecto y fue contratado por Kirk Douglas de nuevo para realizar la película "Spartacus" después de haber corrido al director original.

La película fue filmada en un clima de tensión extrema y de diferencias creativas, resultando en una película regular de la época, acerca de Espartaco, el esclavo que se rebela contra sus amos romanos y crea una revolución. Basado en una historia al parecer real.

Kubrick juró que nunca volvería a trabajar en una película donde el no tuviera todo el control creativo. Y así lo hizo.

En 1962 se mudó a Londres para filmar "Lolita", basado en el libro de Vladimir Nabokov.

La ampliamente contorvertida película acerca de un hombre mayor que siente una atracción sexual hacia una provocativa niña de 13 años fue un éxito, también fue la primera película que el director verdaderamente quería hacer.

Trabajó con Peter Sellers, el primer actor que consideró un genio.

Fue la última vez que Harris y Kubrick trabajaron juntos, separándose en buenos términos.

Kubrick se quedó a vivir en Inglaterra (hasta su muerte) y filmó su siguiente proyecto "Doctor Strangelove or: How I Learned To Stop Worrying and Loved the Bomb"

Fue basada en una novela seria acerca de la guerra nuclear, llamada "Red Alert". Él y sus guionistas convirtieron la película en una comedia de humor negro.

El film trata sobre una crisis nuclear entre EU y la URSS, el día en el que uno de los generales del primer país se vuelve loco y ordena un ataque nuclear a ciudades del segundo.

El presidente de EU se entera de esto y tratan de resolver la crisis desde la "Sala de Guerra", sin embargo, descubren que la URSS ha diseñado la "Máquina del Fin del Mundo", que activa una bomba tan poderosa que destruiría casi toda la vida sobre el planeta.

Peter Sellers interpeta tres cómicos personajes en esta película (incluyendo al Doctor Strangelove, un genio nuclear que trabajó para los nazis y ahora para EU), en la que Kubrick lo dejó improvisar, como a muy pocos actores.

Fue controvertida, pero altamente exitosa, y aquí fue donde Kubrick adquirió su condición de genio de la industria, permitiéndole exigir lo que quisiera.

Cinco años tardó el director en lograr la realización de su obra maestra de ciencia ficción "2001: A Space Odyssey", basada en el cuento "The Sentinel" del autor Arthur C. Clarke. A la par escribió la novela homónima, que no es tan buena como el film.

La super-producción, llena de efectos visuales impresionantes y temas filosóficos profundos sujetos a interpetaciones distintas, con una excelente selección de música clásica, fue en su tiempo sumamente criticada por no ser entendida, sin embargo, un público más joven y/ó mas culto la entendió, e incluso ganó varios premios. Se convirtió en un hito de la cinematografía, que no envejece.

La película abre con los hombres primitivos, sobreviviendo a las inclemencias de la naturaleza, descubren un monolito misterioso una noche, comienzan a pensar y usar instrumentos para defenderse de sus enemigos...

hay una elipsis temporal hacia el futuro, en donde se nos presenta el descubrimiento del mismo misterioso monolito en la Luna, después hay una elipsis unos meses mas tarde, donde un conjunto de astronautas son enviados a Jupiter a investigar algo, la computadora de la nave HAL 9000, cuya inteligencia artificial es superior y ayuda a los astronautas, intenta asesinar a los mismos...

La película tiene un arco dramático por episodios, es larga y sumamente interesante.

El director intentó hacer una película sobre Napoleón Bonaparte, (un proyecto que siempre tuvo, pero nunca logró) pero terminó adaptando la novela "A Clockwork Orange", con un presupuesto mucho más bajo que el anterior y en equipo de personas casi íntimo, con grandes sesiones de ensayo y experimentación.

La película es icónica, es otra obra maestra de Kubrick, trata sobre un joven en un futuro distópico que se dedica al crimen y vandalismo. Es atrapado por asesinato y encarcelado, en donde voluntariamente toma un tratamiento de acto-reflejo que lo convertirá en un ciudadano adecuado.

La película tiene una arco circular interesantísimo, también trata con temas filosóficos.

Fue su primera colaboración con el músico Walter Carlos (quién después de esta película sería conocido como Wendy Carlos, por su operación de cambio de sexo) pionero de la música en sintetizador.

Después de algunos actos vandálicos cometidos en Inglaterra por jóvenes que se vestían como en la película, y después de que los medios lo culpaban por ello, retiró la película de ese país, y se exhibió de nuevo hasta después de su muerte.

Su siguiente película fue "Barry Lyndon", para este tiempo, tardaba muchos años entre una producción y al siguiente, para lograr la perfección en la planeación.

Esta película fue basada en la novela "The Luck of Barry Lyndon" y trata sobre la trágica vida de un joven pobre, enamorado de su prima, que superando su ingenuidad, enseñándose a ser sagaz y astuto, pero perdiendo su humanidas, consigue llegar a ser un noble en la doble-moralista aristocracia del siglo XVIII.

Esta película ganó el Oscar por el mejor diseño de arte, que fue minuciosamente planeado para ser lo más real posible. Y es una excelente y melancólica película, con un ritmo lento y contemplativo.

Sin embargo, no contó con gran éxito en taquillas, así que el director pasó un tiempo largo escogiendo un material literario que fuera bueno y al mismo tiempo un posible éxito.

Escogió la novela "The Shining" y realizó una película épica de terror, muy a su estilo, evitando la mayoría de los clichés del género, con un presupuesto sumamente alto para construir sets impresionantes, filmar en orden y mantener el ritmo de los actores.

La surreal y tenebrosa película tenía a Jack Nicholson como protagonista, fue el segundo actor que consideró un genio.

También tenía a otro protagonista: La SteadyCam, un aparato recién construído, un sistema de poleas portátil que un operador usaba para mantener la estabilidad de la cámara en largos y complicados planos con movimiento que no pueden lograrse con el Dolly (el carrito).

Fue el primer director en hacer uso del mismo y de una especie de video-assist.

Todo esto tiene como resultado una impresionante película de terror surreal y psicológico, que de igual manera, puede leerse en varios niveles.

Después de siete años y varios proyectos archivados, adaptó la novela "The Short-Timers" y la convirtió en la película bélica "Full Metal Jacket", un film sobre los marines en la guerra de Vietnam. Nos lleva desde su entrenamiento y la tortura física y psicológica a la que son sometidos y después a las trincheras de la guerra. Es una ficción, con imágenes y escenas espectaculares, vista desde un punto de vista muy externo, para resaltar la crudeza de la violencia bélica de una forma realista.

Seguimos con atención los cambios a los que son sometidos los jóvenes soldados, para adaptarse a lo que están viviendo.

Es un retrato con niveles de realismo, así como de drama ficticio, muy bien manejados e interesantes.

La película no fue un gran éxito, debido a que en esa misma época se estrenaron una serie de películas acerca del mismo tema. Así que Kubrick buscó otro material para adaptar... esta vez se tardó 12 años.

Durante este tiempo, trabajó en muchos proyectos que no se concretaron, como "A.I. Artificial Intelligence", basada en la novela "Super Toys Last All Summer Long". Película que haría su amigo Steven Speilberg después de su muerte.

Fue finalmente, en 1999 cuando el mundo vió la última película del director "Eyes Wide Shut" basada en la novela "Traumnovelle".

La película tenía al matrimonio de la vida real Tom Cruise y Nicole Kidman interpretando a un matrimonio acomodado.

Una noche, ella le dice a él que tuvo fantasías sexuales con otro hombre cuando estaban recién casados, él, a causa de una pelea sale a la calle y cae en una especie de infierno Dantesco de una sociedad secreta que practica orgías, también conoce, y nosotros con él, a una serie de personajes y sus perversas vidas sexuales que se esconden bajo la superficie.

La película es un misterio construído de una manera muy interesante y es un proyecto que maduró con maestría, puesto que lo planeó desde sus primeros años en el medio.

Murió, cuatro días después de proyectar un último corte de su film a los ejecutivos de la Warner Bros. (quienes financiaron todas sus películas a partir de "A Clockwork Orange"), un 7 de marzo en 1999.

Kubrick nunca volvería a hacer un film, pero nos deja grandes películas, descubrimientos, esquemas, perfeccionsimo, invenciones, innovaciones y arte.

Celebremos el cumpleaños de Kubrick y no su muerte, viendo sus películas.

http://en.wikipedia.org/wiki/Stanley_kubrick

http://www.youtube.com/view_play_list?p=E69C603996BEC4D5

http://www.imdb.com/name/nm0000040/